『安格尔篇』

编写：雨浓 导语：
唯美主义作家和艺术家认为：艺术的使命在于为人类提供感观上的愉悦，而非传递某种道德或情感上的信息。因此，唯美主义者们拒绝接受约翰·罗斯金和马修·阿诺德提出的“艺术是承载道德的实用之物”的功利主义观点。相反，唯美主义者认为艺术不应具有任何说教的因素，而是追求单纯的美感。他们如痴如醉的追求艺术的『 美 』 ，认为 『 美 』 才是艺术的主观 本质 。
『 祼 体艺术 』 是全人类最宝贵的精神遗产之一，在诸多的艺术作品中， 『 祼 体艺术 』 是 艺术家 亦 直接 以写实 的 手法 表现，描绘人体的健美，均衡律动与和谐。神奇地描绘出女性肌肤的柔软透明，鲜活灿烂并以史诗式的丰厚博大达到了奇迹般的极致，他们的作品是对人类心灵和人性的无与伦比的颂歌。
欢迎光临：石墨阁私家收藏空间：源起与探索，开创了无限魅力的艺术天地，坚持与永恒，『 慧』 集了世界 艺术 家 的 经典唯美 之 作 ， 吾人以虔诚的心 与道友共 享 世界 艺术 的 浪漫 真谛 。
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相知无远近，万里亦为朋。有朋自远方来，不亦悦乎！
友谊不分性别，不分长幼，皆宜。三人行，必有我师。
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法国画家： 浪漫主义者『安格尔』
安格尔崇拜希腊罗马艺术和拉斐尔，和大卫一样捍卫古典法则，但又对中世纪和东方异国情调表现出浓厚的兴趣，因而被一些艺术史家戏剧性地划入浪漫主义画派。
安格尔是一个对自然崇拜得五体投地的多情者。安格尔在向希腊人和拉斐尔讨教之前，先学习了自然。他曾断言：“希腊人就是自然；拉斐尔之所以是拉斐尔，就是因为他比别人更了解自然。”不过，安格尔并不能完全放弃明暗的处理，他还使用很强的，鲜艳得过分而不真实的颜色，以弥补作品色彩的冷淡。在这种情况下，我们看安格尔的画通常会有这样的感觉：线条画得太乾净了。正是这种线条的乾净把安格尔引向抽象，会使画面毫无内容，但为了表现明暗和反射（使作品富有内容），他也会把线条打断，使之带有“绘画性”，可是在这种有如金属一般坚硬的“绘画性”中，却没有一般“绘画性”所必不可少的那种流畅和“灵魂”。如创作于1819年的《保罗与弗兰西斯卡》。当他的线条变得过于准确时，他就以细节来压倒它，画上一堆纯属低级的趣味的装饰物。但当他模仿提香时，那简直就是拉斐尔，这时的作品就成为珍贵的杰作。当他初访罗马之后，他又完善了自己的绘画风格，越来越多的杰作出现了，他的艺术也到达了鼎盛期。
法国画家： 『 安格尔的 裸体之美 』
安格尔（1780-1867），是举世闻名的绘画大师、美学理论家和教育家，在80年的创作生涯中，他孜孜以求地在艺术道路上实践着自己的理想，勤于创作，留下了丰富的艺术遗产；他重视培养学生的观察能力，强调绘画基础的训练，制订了一系列为学院派奉为圭臬的古典主义原则。另一方面，安格尔的保守与反动也是史所罕见的，他极端仇视革命，曾宣称自己不属于这个叛逆者的时代；他诋毁进步艺术形式，骂它们是"下等酒馆里的破烂货，懒汉的艺术"。
1780年，安格尔生于一个世代绘画的美术学院院士家庭，并从小受到良好的艺术熏陶。9岁的小安格尔在素描上显露出惊人的天分，寥寥数笔就能传神地画下家里客人们的肖像，父亲于是送他到几位名师处深造，因此打下了坚实的绘画功底。
安格尔17岁时来到巴黎，在这里遇到了影响他一生艺术道路的老师大卫。刚开始大卫对这个日后的得意门生并不感兴趣，原因是安格尔平淡谦和的画风难入这位以英雄主义为信条的导师的法眼。安格尔异常聪明，他没有急于改变风格，而是在此之外加进了老师的某些元素，21岁时的《阿喀流斯接待阿伽门农的使者》（《伊利亚特》中的一幕：希腊统帅阿伽门农向英雄阿喀流斯道歉，送上美女财礼并请他参战）令大卫对他刮目相看，并获得了赴罗马学习的机会，但实际上他26岁才奔赴意大利求学。求学期间，他不断将作品寄回国内在沙龙上展出，大卫惊喜地看到学生越发接近古典主义了，并为找到接班人兴奋不已。44岁，当安格尔回到巴黎时，他已是公认的古典派大将了。
当时的法国，乃至整个欧洲，古典主义江河日下，大卫已流亡比利时，他的另一弟子格罗也游离于古典派之外。学成归来的安格尔，无疑壮大了古典派日渐消亡的声势，成为古典派对付新兴的浪漫派的法宝。
从大卫到安格尔，是热情、生动的革命古典派向僵化、空虚的学院古典派的蜕变，安格尔背弃了老师艺术中的人民性，成为唯古典主义造型的追随者。安格尔表面不问政治，实际用自己的画笔为复辟王朝粉饰太平。《路易十三的誓言》得到了官方的热烈赞赏和革命舆论的强烈批评，正因为如此安格尔获得了波旁王朝颁发的"荣誉军团骑士"称号，次年还被选为皇家美术学院院士。然而，在一片偏重考古的职责声中，他"挂"不住了，一气之下返回了罗马（在意大利期间，他被任命为驻罗马的法国皇家美术学院院长），直到61岁才回国。
安格尔一生向往古典主义，追求古典理想化的平静肃穆的美，并以次作为他艺术的最高追求。古典派强调造型的准确性，这一点安格尔作得比他的老师更极端，简直到了一椅一物非倾心雕琢不可的地步，当然造型更为精美的同时，画面自然也就更为僵化。在形式精益求精的同时，内容从大卫的现实题材转为纯粹的唯希腊罗马是之的地步，成为脱离实际的纯艺术追求，于是"与时代步调格格不入"成为后世不肖子弟诘责他的主要话柄。《黄金时代》（又被人戏称"懒惰的美女群"），很难从在幸福乐园中（古希腊人将历史分为"黄金、白银、青铜、黑铁"四个时代）的无忧无虑的青年男女们的身上看出大卫的雄浑之气，取而代之的是造型极其精美之外的对理性美的描画。
实际上，安格尔的师承与其说出自大卫，不如说出自另外两个人--拉斐尔、提香，尤其是拉斐尔，他是安格尔终生的偶像。一次，孩提时的他看到了拉斐尔的《椅中圣母》，（后来，他仿照《椅中圣母》创作了《1780年波滔斑夫人》）感动得热烈盈眶，后来他自述说："拉斐尔打开了我艺术的眼界，使我顿开茅塞，这个印象决定了我一生的命运。"在意大利古典主义的宝库中，他对拉斐尔遗留画作和提香人体艺术进行了近乎发狂的研习揣摩，依照拉斐尔《雅典学派》创作了《荷马的礼赞》。
即便从今天的眼光看，《雅典学派》与《荷马的礼赞》还是有上下床之别：安格尔在对古典主义"诗王"荷马的假想受桂冠图（荷马脚边的红衣、绿衣女郎分别象征《伊利亚特》与《奥德塞》）的描绘的同时，生硬地拉上了许多古典主义的杂七杂八?“名流"--拉斐尔、但丁、阿基米德、雅典娜、唯吉尔，非但不能与拉斐尔《雅典学派》的兼容并蓄相比，而且场面也显得造作冰冷。这时，安格尔纯理性古典主义的某些弱点、也是后来学院派的弱点也暴露无遗了，即忽视人物客观的艺术视角，盲目追求古典主义死板的教条，使得画面显得不免生硬死板。当然，这种"死板"也是遵照古典主义原则而为之的，为了排除一切亢奋、激烈的情绪化成分，赋予作品安静、庄严的因素，对这种艺术追求上的反差，毋庸多言（绝对不是单纯地批判安格尔及学院派）观察《拯救安吉丽卡》中那个没有激越因素的场面就可以理解了。
安格尔学习拉斐尔真正的成绩是对女性裸体的传神描绘，他本人也是首屈一指的素描大师，因而对造型的把握上显示出异常的得心应手。 1808年，安格尔创作了著名的《瓦尔品松浴女》，这个被后世奉为裸体背影经典的形象健康、丰满、洋溢出生动而毫无任何淫亵的成分。
安格尔强调绘画必须重视骨骼，而肌肉远在其次，他认为肌肉绘制得过分精确会成为造型纯真的最大障碍，甚至会造成独特构思的浪费使作品平庸化。这是发前人所未想的重要美学理论，1814年他应卡萝琳皇后的邀请创作的《大宫女》就是这种理论的最好佐证。安格尔故意拉长人物的腰身（增加三根脊椎骨），这种"没有骨头"的变体增强了裸体特有的妩媚感。另外色彩的调配显得平和稳定、独具匠心，以至有人称威尼斯画派无一人能够企及。
安格尔崇尚自然，代表他最高成就的裸体创作往往不事雕琢，是自然形象洗练化与古典造型理性的完美结合。他笔下的裸女没有思想（《土耳其浴室》）、没有信仰（《后宫佳丽》）、没有任何时代的成分（《维纳斯》，实际是他夫人的画像），完全是画家纯粹的艺术创作。《泉》是他最负盛名的作品，是他于1820年在意大利期间作为习作开始的，1856年才在巴黎完稿，据说原名是《维纳斯》，但画家经过数十年的世俗漂泊，修改了少女脚边的小天使，把整理秀发改为倒倾水瓶，使之成为一幅具有古典主义象征意义的名作。也许安格尔在寄托对青春的无限眷恋--少女充满活力的胴体正象她脚边的那朵含苞欲放的雏菊，散发着长久的魅力，给人以宁谧的思绪、无尽的隽永。少女是画家衰老年岁的产儿，她的美资超过了所有的姐妹，集中了她们的美于一身。安格尔的艺术形式美是成功的，他笔下的裸体屏弃了一切非自然的成分，因而她们的美是可供任何时代膜拜的典范。 《土耳其宫女与女奴》素描稿 让·奥古斯特·多米尼克·安格尔 （Jean Auguste Dominique Ingres）

《土耳其宫女与女奴》素描稿 让·奥古斯特·多米尼克·安格尔 （Jean Auguste Dominique Ingres） 现藏于美国图书馆 1839年335 x 462 mm

《土耳其宫女与女奴》创作稿 让·奥古斯特·多米尼克·安格尔 （Jean Auguste Dominique Ingres）
《土耳其宫女与女奴》是1932年美国印象派画家William McGregor Paxton临摹 版 。

《土耳其宫女与女奴》 1842年安格尔及其学生共同完成的合作版

《土耳其宫女与女奴》 1840年安格尔原稿

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法国画家：新古典主义 人体美术大师　安格尔作品『泉』
Venus Anadyomene Ingres 1808-1848 布面油画 163 cm × 92 cm 尚蒂伊美术馆 (Musee Condee, Chantilly)
安格尔在1808年还是美院学生的时候就开始构思，直到1848年才最终完成。 而当时的草稿现藏于巴黎卢浮宫。维纳斯女神：维纳斯（拉丁语：Venus）是爱神、美神，同时又是执掌生育与航海的女神，相对应于希腊神话的阿芙罗狄忒（Aphrodite）。拉丁语的“金星”和“星期五”等词都来源于他。
维纳斯是从海里升起来的。据说世界之初，统管大地的该亚女神与统管天堂的乌拉诺斯结合生下了一批巨人。后来夫妻反目，该亚盛怒之下命小儿子克洛诺斯用镰刀割伤其父。乌拉诺斯身上的肉落入大海，激起泡沫，阿芙罗狄忒就这样诞生了。希腊语中“阿芙罗狄忒”的意思就是泡沫。
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法国画家：新古典主义 人体美术大师　安格尔作品『土耳其洛室』
安格尔在每一副作品定稿前都要先画一些习作以确保沟通的万无一失。安格尔的《土耳其浴室》同样留下了一下习作，我们不妨来欣赏The Turkish Bath 和一些精妙的习作。
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法国画家：新古典主义 人体 美 术大师　安格尔 作品 『瓦平松的浴女』

《瓦平松浴女》的人物造型在《土耳其浴室》中仅仅稍微变化一下，主体人物及其相似。 安格尔在1808年安格尔完成了著名的《瓦平松浴女》现收藏于法国卢浮宫
1826年完成了《瓦平松浴女》的变体The Small Bather《小浴女》现收藏于美国菲利普斯艺术陈列馆

1826年和1828年完成的《小浴女》是在《瓦平松浴女》基础上的变体。
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法国画家：新古典主义 人体美术大师　安格尔作品『大宫女』
作品赏析 ：
安格尔的艺术“清高绝俗，庄严肃穆”，这一切可以通过他的重要作品《大宫女》体现出来。画中，安格尔放弃了很多不必要的细节，使之统一在一片安详静谧的和谐气氛之中，就像是精心计算过一样，每一个“数字”所代表的都是和整体息息相关的极其“危险”的事件，随意改动其中的任何一处，都会使整个画面彻底坍塌。这也似乎验证了古希腊哲学家毕达哥拉斯“数与和谐”的理论，毕氏仰望夜空，都能感觉到星辰的组合像是用数字组成的音乐，他曾说他有很多次真的听到了“诸天音乐”。在这幅画上，比例、色彩像数字一样按一种奇妙的秩序排列着，华丽而不失平和。安格尔早年游学意大利时，也一定通过古希腊的艺术作品感受到了毕达哥拉斯哲学的这种富于神性的美。故意拉长的身体，似乎体现了一种古希腊雕刻的肃穆庄严的美感。艺术并不是盲目地复制现实，而是对倾入全部感情的生活中绽放的精神之花的倾力表达。这是一种美感，不需要任何理由。齐白石说作画“妙在似与不似之间”，在形体脱开世俗的桎梏之后，精神才会完满。这也表现在他的很多绝妙的素描之中。比如他为小提琴演奏家帕格尼尼（Niccolò Paganini）画的一幅肖像，精简而不失气度，摒弃了日常光线在视觉中的假象，把阴影和调子减少到极至，内在的形体和神采才能辉映于方寸之间，如藕塘雨后新荷，不惹半点尘埃。
创作背景 ：
安格尔画的女人体难免令人联想起文艺复兴以来西方的人体画传统，但是有心的读者或许会注意到，画中女子的打扮并不是一个典型的西方人，她包着土耳其头巾，手拿孔雀羽扇，就连衬景的绸缎也散发着异国的光彩。从题目中知道，这画的是奥斯曼帝国的宫女。在西方人的脑海里，妻妾成群的宫女是东方社会原始、落后的标志，同时她们又的确具有神秘的吸引力。不过，安格尔笔下女子的意义还不仅如此。创作这幅画的时候，正值法国在对奥斯曼的战斗中失利，法国人从此深深意识到，曾经占有的伊斯兰领土正在不可抗拒地失去。在这样的情况下观看只有在私密空间才能看到的东方女子的形象就别有一番含义了，它潜藏着一种心理上的欲望和征服。安格尔毫不掩饰，甚至极力夸张女人体感官上的魅力，同时又极其冷静、富有克制力地将它表现出来，恰好为观众的视觉与欲望之间提供了适当的安置。
画风探索：
《大宫女》就严格的古典风格去要求，确实存在很多“越轨”之处，首先，色彩的“音域”受到严重破坏，背景上很强的蓝色和裸体肌肤的黄色，以及人体的明暗和粉红色调极不谐调，其次是前面所说的夸张了的形体，这个女裸体几乎成了变形美的一种试验，它完全背叛了老师的庭训。安格尔的学生杜瓦尔为此曾竭力为他作辩解，他说：“我并不想说，安格尔先生是个浪漫主义者。但我也要肯定，他从来不是当时所理解的那种意义的‘古典主义者’。”安格尔似乎在这幅画上显示了自己在自然面前的独立性，但由于安格尔的美学信念的坚定性，这里的表现反而给人们造成对他的见解的模棱两可性，攻击与批评是在所难免的。从历史的角度去认识，安格尔具有他的探索勇气，尽管他所画的这个人物是有着很大的虚构性。
《大宫女》素描稿 让·奥古斯特·多米尼克·安格尔 （Jean Auguste Dominique Ingres）

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法国画家：新古典主义 人体 美 术大师　安格尔 作品 『洛哲营救安吉莉卡』
安格尔这幅 原作是1819年绘制的， Roger Delivering Angelica 现在收藏于法国巴黎卢浮宫美术馆，
《洛哲营救安吉莉卡》Roger déliverant Angélique, 1819年, 147x190cm, 布油彩, 巴黎卢浮宫, Jean-Auguste-DominiqueIngres 让-奥古斯特-多米尼安·安格尔
这幅画取材于16世纪意大利诗人阿里奥斯特的诗集《狂乱之夜》所描绘的情节：支那女王安吉莉卡被囚禁在泪之岛上，她被当着海神奥鲁克的祭品，她在等待自己的末日到来。正在这危难之时，勇士洛哲驾驭着自己半鹰半马的座骑，赶来杀死了海里的神兽奥鲁克，营救了安吉莉卡。
在这幅画中，安格尔的古典主义倾向十分鲜明，安吉莉卡的裸体被描绘得十分优美，画家不是表现她临危的情态而是着意在表现人体完美，英雄洛哲勇敢相救毫无临危救人的激情，只是将长矛放在怪兽的嘴里而已，画中人物的面部表情平静而庄重，这正符合古典主义所追求的意境，重理性轻情感，重类型轻个性，造型符合雕刻效果。
安格尔稍加修改的复制品现藏于法国安格尔的家乡蒙托邦安格尔艺术馆。

安格尔习作：Study for Angelique ingres, 现存于法国巴黎卢浮宫
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法国画家：新古典主义 人体 美 术大师　安格尔 作品 『朱庇特和西蒂斯』 811年 安格尔油画《朱庇特和西蒂斯》Jupiter and Thetis Ingres
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法国画家：新古典主义 人体 美 术大师　安格尔 作品 『文艺复兴盛期』

《Portrait of Maddalena Doni》是拉斐尔的作品 安格尔临摹了拉斐尔的《Portrait of Maddalena Doni》这幅画的手部特写，但是编辑一直没有查到安格尔临摹《手部习作》的确切时间。
文艺复兴盛期作品(High Renaissance ) 现藏于：意大利佛罗伦斯碧提宫 ( Palazzo Pitti, Florence, Italy ) 63 x 45 cm《手部特写》是安格尔的作品
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法国画家：新古典主义 人体 美 术大师　安格尔 作品 『圣母玛利亚』

安格尔“圣母玛利亚”系列作品安格尔画了一些了关于virgin（圣母玛利亚）题材的作品，这些作品分别被收藏在不同的美术馆和私人收藏家那里。作为宗教题材的作品圣母玛利亚一直是比较热门的题材。

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安格尔 『 黄金时代 』 及习作欣赏

在古希腊神话中，人类与神的关系被划分为五个阶段，即『五个世纪』
『黄金时代』
第一个世纪——被称为“黄金时代”。在这个世纪中，人类在神创造的世界中过着无忧无虑的幸福生活，他们不知道什么是劳动，什么是悲伤。神赐予他们无尽的美食与快乐。这个世纪的人类拥有强壮的身体和神一般的力量，他们不用担心疾病与死亡。他们虔诚的听从神的旨意。当一个人度过漫长的人生之后，他的灵魂会变成精灵环绕着土地。但是这样的时光延续了一百年便很快的终结了。
『白银时代』
第二个世纪——被称为“白银时代”。在这个世纪中的人类不再像第一个世纪那样幸福，他们虽然有力量，但是 却缺乏理智，他们不再听从神的旨意，宙斯因此而被激怒，他决定惩罚人类。他将人类所居住的土地沉到了昏暗的地下宫殿中，而在那里的人类没有感喜怒哀乐，即不知道什么是悲伤，也不知道什么是快乐。
『 青铜时代 』
第三个世纪——被称为“青铜时代”。在这个世纪中的人类骄傲蛮横，他们不懂得耕作劳动，却酷爱战争。宙斯赐予他们强壮高大的肉体，但是也给了他们残忍的心灵。他们自相残杀，并且很快便沉沦到了哈得斯的地府中。
『英雄时代』
第四个世纪——没有明确的称呼，通常被称为“英雄时代”。生活在这个世纪中的人类，比起前几个时代更勇敢而公正。他们拥有接近神的力量与智慧。因此被称作“英雄”。最后这些英雄都被卷入残酷的战争之中（其中就包括特洛伊战争）并相继死去。宙斯让他们再次复活并将他们安置在世界边缘的一个岛屿上。在那里，他们得以享受幸福而安定的生活，没有烦恼，衣食无忧。
『黑铁时代』
第五个世纪——被称做“黑铁时代”，这个世纪里，神惩罚人类日日夜夜的做着辛苦的劳动，而人们的性格也更为复杂，尽管混杂着善良，但更多的是邪恶。人类妄图统治一切，儿童不再信任父母，朋友不再相互信任，主人对待客人不再热情，婚姻中的人们不再相爱，誓言被他们视为尘埃。善良与公正已经不再被他们视为行为的准则，而仅仅只是暴力。最终神对人类失去了希望，公平之神与善良之神永远的离开了人类。而人类只能过着饥饿而痛苦的生活，再也得不到神的庇护。

法国古典主义画派『最后的代表』
让－奥古斯特·多米尼克·安格尔 法国画家。1780年8月29日生于蒙托邦，1867年1月14日卒于巴黎。自小父亲就培养他对艺术的兴趣，那时，他非常热衷追求原始主义。由于他用功、认真，17岁的安格尔已经是一个很好的画家了。当时，大卫正担任拿破仑的首席画师。1834—1841年，他再度赴罗马，深刻地研究了文艺复兴时期意大利古典大师们的作品，尤其推崇拉斐尔·桑西。经过达维特和意大利古典传统的教育，安格尔对古典法则的理解更为深刻，当达维特流亡比利时之后，他便成为法国新古典主义的旗手，与浪漫主义相抗衡。 作为19世纪新古典主义的代表，他代表着保守的学院派，与当时新兴的浪漫主义画派对立，形成尖锐的学派斗争。安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一种简炼而单纯的风格，始终以温克尔曼的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为自己的原则。他的绘画吸收了15世纪意大利绘画、古希腊陶器装饰绘画等遗风，画法工致，重视线条造型，尤其擅长肖像画。在具体技巧上，“务求线条干净和造型平整”，因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅，这些特点尤其突出地体现在他的一系列表现人体美的绘画作品中，如《泉》、《大宫女》、《瓦平松的浴女》、《土耳其浴室》等。“里维耶夫人肖像”1805年，安格尔完成了“里维耶夫人肖像”一画，这幅肖像在色彩方面无疑也是安格尔的杰作之一。匀整的颜色如同镶嵌一样和谐地结合在一起，色彩显示着形体，带有某些起伏的暗示，但没有求助于阴影。身体和衣服用象牙白突出出来，组成画面的受光部分，深蓝色的沙发则组成画面的阴影部分。这两种颜色都被纳入黑色的背景。红、黄两色的小小变化无害于整体效果。个性和朴实的表情、明暗和单纯——使这幅肖像别有一种优美滋味的就是这些。这幅作品于1806年在沙龙中展出，但是它“独特的、革命的、哥特式的”风格特点招来了许多批评家的愤怒。事后，安格尔去了意大利，在那时奉承研究15世纪的佛罗伦萨绘画，目的是要把自己的风格提高到文艺复兴时期的水平和改造当时的绘画。他曾说过：“艺术发展早期阶段的那种未经琢磨的艺术，就其基础而论，有时比臻于完美的艺术更美。”那时他被中世纪的艺术所深深吸引。
在1824年时安格尔在巴黎开办了自己的学校，那些追求原始主义的年轻人都投向了他。追求直率而纯洁的原始风格，把宗教画当作心爱的体裁，对中世纪文艺复兴时代感兴趣，他认为使艺术健全的道路在于通过希腊人和拉斐尔·桑西（Raphael Santi,1483-1520）去研究自然，注重细节的刻画，而主要是务求线条乾净和造型平整，他强调纯洁而淡漠的美，这是与达维特的艺术观点相对立的。在对待古希腊的态度上，安格尔无疑投入了更多的感情和热情。安格尔的声誉如日中天时，也正是古典主义面临终结，浪漫主义崛起的时代，他和新生的浪漫主义代表人德拉克罗瓦之间发生许多次辩论，浪漫主义强调色彩的运用，古典主义则强调轮廓的完整和构图的严谨，安格尔把持的美术学院对新生的各种画风嗤之以鼻，形成学院派风格。 安格尔生前享有很大的声誉，死后安葬在巴黎著名的拉雪兹神父公墓。安格尔崇拜希腊罗马艺术和拉斐尔，和大卫一样捍卫古典法则，但又对中世纪和东方异国情调表现出浓厚的兴趣，因而被一些艺术史家戏剧性地划入浪漫主义画派。 安格尔是一个对自然崇拜得五体投地的多情者。安格尔在向希腊人和拉斐尔讨教之前，先学习了自然。他曾断言：“希腊人就是自然；拉斐尔之所以是拉斐尔，就是因为他比别人更了解自然。”不过，安格尔并不能完全放弃明暗的处理，他还使用很强的，鲜艳得过分而不真实的颜色，以弥补作品色彩的冷淡。在这种情况下，我们看安格尔的画通常会有这样的感觉：线条画得太乾净了。正是这种线条的乾净把安格尔引向抽象，会使画面毫无内容，但为了表现明暗和反射（使作品富有内容），他也会把线条打断，使之带有“绘画性”，可是在这种有如金属一般坚硬的“绘画性”中，却没有一般“绘画性”所必不可少的那种流畅和“灵魂”。如创作于1819年的《保罗与弗兰西斯卡》。当他的线条变得过于准确时，他就以细节来压倒它，画上一堆纯属低级的趣味的装饰物。但当他模仿提香时，那简直就是拉斐尔，这时的作品就成为珍贵的杰作。当他初访罗马之后，他又完善了自己的绘画风格，越来越多的杰作出现了，他的艺术也到达了鼎盛期。
安格尔作品 『 局部特写 』

安格尔作品 『 局部 变体 特写 』

让－奥古斯特·多米尼克·安格尔（Jean Auguste Dominique Ingres，1780—1867）法国画家。自小父亲就培养他对艺术的兴趣，那时，他非常热衷追求原始主义。由于他用功、认真，17岁的安格尔已经是一个很好的画家了。当时，大卫正担任拿破仑的首席画师。1834—1841年，他再度赴罗马，深刻地研究了文艺复兴时期意大利古典大师们的作品，尤其推崇拉斐尔·桑西。经过达维特和意大利古典传统的教育，安格尔对古典法则的理解更为深刻，当达维特流亡比利时之后，他便成为法国新古典主义的旗手，与浪漫主义相抗衡。
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爾東先生：［筆名：雨 濃 ］1964 年生 於 奉天 遼北長大 祖籍魯人 鶴鄉居士 石墨閣主人